Letra de vida

Otra semana más. Con un acontecimiento cinematográfico sin parangón, lo mejor del año, de los últimos años, una experiencia total cuyo disfrute costó una pequeña odisea al grupo de elegidos [; )] debido a la amnesia lacunar que tales ocasiones irrepetibles suelen provocarme; pero como ya ocurriera en el propio rodaje de la Obra Maestra que luego os desvelaré, nuestro particular viaje se coronó con un éxtasis total. Con las imágenes reverberando en mi retina, dueñas absolutas de mis pensamientos, escucho varios Conciertos para Violonchelo (Nº 1, 4, 7, 8, 9, 11 y 12) de Antonio Vivaldi (1678-1741), me dejo atravesar por la sublime elegancia del último disco grande de Chuck Loeb, una experiencia musical genuina, saboreando a continuación la magnífica voz de Peter Fessler en su particulares "Signatures", y me propongo, lo consigo, ser finalizado por varios Motetes de Guillaume de Machaut (1300-1377) en lo que supone una nueva vivencia de iluminación. Llega la hora de sumergirme en la ficción maravillosa de las imágenes, simplemente lo hago...

Colin Nutley: Bajo el Sol. Película misteriosa ésta y no precisamente por su calidad intrínseca. ¿Cómo logró ser nominada para el Oscar a mejor film extranjero? Ni idea, puesto que se trata de un pastelón sentimentaloide y cursi que apela a más tópicos que un comentarista deportivo para trazar las trilladas líneas de una historia que se supone nos desvelará algo acerca del eterno retorno de lo mismo. Una auténtica tomadura de pelo. Mala.

Billy Wilder: En bandeja de plata. Salto cualitativo enorme. Extraordinaria e inteligente comedia donde la inmensa sabiduría del gran y ya desaparecido Wilder se cristaliza en una pareja cómica que a partir de ese instante dará mucho que hablar. Jack Lemmon y Walter Matthau están perfectos. El resto del reparto acompaña con corrección. Ironía lúcida y diálogos trabajados logran un film de gran envergadura. Muy Buena.

Inmanol Urible: Plenilunio. Loable adaptación de la novela homónima de Muñoz Molina (aparece brevemente como conserje), que sin alcanzar el nivel tensional de la misma ofrece, no obstante, una buena aproximación a los entresijos de una historia de desamor, soledad, desamparo y asesinato. Sobra el nuevo final, mucho menos ambiguo que el del libro, y tal vez una pizca más de credibilidad en la actuación de Adriana Ozores. Miguel Ángel Solá es un actor firme y sin fisuras (véase Fausto 5.0 o Tango de Saura) y Juan Diego Botto construye una inquientante psicopatía. Uribe sabe crear la atmósfera de asfixia emocional necesaria para enmarcar la complejidad psicológica de los personajes en liza. Muy Interesante.

Roger Michell: Persuasión. En el gélido panorama de la programación televisiva, reconfortante vaharada en la que se adivinan buenas formas de dirección, un guión adaptado correctamente de la novela de Austen y una bien efectuada reconstrucción de época. Sensibilidades extremas ahogadas por un entorno social superficial y opresivo, esclavo de sus propias reglas insustanciales e institucionalizadas de conducta, se dan cita a principios del XIX para regalaranos una hermosa historia de amor y liberación vital. Nos hace añorar otras producciones pero mantiene el interés sin demasiados problemas. Se ve con mucho agrado.

Ethan Coen y Joel Coen: El gran Lebowski. Hilarante, onírica, desternillante e irónica comedia negra de esos genios que responden al titular de "hermanos Coen", capaces de hacer reír como nadie sin perder por ello su personalidad cinematográfica al aplicar su especial lente perceptiva, esa que distorsiona y deconstruye para revelar aspectos insospechados y ocultos en la realidad más insufrible y cotidiana. Paradojas manejadas con acierto, ritmo endiablado, un guión lleno de sorpresas, personajes memorables (el "Quintana" de Turturro o el "Walter" de Goodman son antológicos) y una interpretación insuperable del gran Jeff Bridges convierten este film en una verdadera joya del humor incisivo e irreverente. Muy Buena. Y para quien no la haya visto todavía, me refiero a "El hombre que nunca estuvo allí", a qué diablos está esperando para hacerlo: le anticipo que es su mejor y más conseguida película, una auténtica obra maestra.

Francis Ford Coppola: Apocalypse Now Redux. Y por fin llegamos a esa experiencia a la que hacía referencia al comienzo de la crónica: maravillosa, irrepetible, subyugante, hermosa... cualquier epíteto se queda muy corto para describirla. Una Obra Maestra Absoluta, un Clásico que perdurará por los siglos de los siglos, amén, un viaje hacia el fondo del alma humana sin concesiones, con aliento mítico, rozando construcciones arquetípicas que subsisten desde la noche de los tiempos y habitan nuestro inconsciente, que se adentra mediante una dirección prodigiosa y un guión que es pura artesanía narrativa en la locura de la confrontación bélica, ofreciendo como resultado del inconmensurable esfuerzo un simbolismo fuerte y enigmático, de múltiples lecturas y matices, con una carga filosófica precisa y sugerente, de ningún modo retórica, que termina por reflexionar con hondura y profundidad acerca de la Voluntad de Poder y el Sentido de la Existencia. El viaje del capitán Willard es un viaje exterior e interior hacia las entrañas de sí mismo, un camino sin retorno al lugar tenebroso donde toma forma la lógica del horror llevada hasta sus últimas consecuencias deductivas, que paradójicamente entronca con la pura pulsión de muerte: la racionalidad máxima del horror se asienta sobre la obediencia instintiva al Poder del Padre. Las ramificaciones son oscuras e infinitas, todo es excesivo y grande en esta Odisea irrepetible, con una parte final deslumbrante, infernal, lúcida, ambivalente y mítica, sostenida sobre un coronel Kurtz que es y será para siempre Brando, puesto que sin su eximia interpretación todo el complejo edificio estructural de la película se hubiera venido abajo. Me faltan calificativos. Eterno Clásico. Jamás pensé que Apocalypse Now fuera superada. Me equivoqué. Este nuevo añadido de 50 minutos y la oportunidad de contemplar esta sublime creación en pantalla grande han hecho que se supere a sí misma. Cita obligada para cualquier amante del buen cine.

Nagisa Oshima: Gohatto. La otra sorpresa memorable de la semana viene de la mano del gran maestro japonés Oshima ("El imperio de los Sentidos") y su Gohatto "Tabú", un hermoso, poético, bello y valiente film que explora las relaciones homosexuales y el deseo masculino insertas en los últimos estertores de las configuraciones samurais en la segunda mitad del siglo XIX. El anhelo de posesión de la belleza encarnada en un joven oportunamente ambiguo (clara influencia de "La Muerte en Venecia"), y el trastorno que la circulación del deseo provoca en las estructuras rígidas de poder, son temas perfectamente desarrollados a través del pulso ético y estético de un realizador prodigioso e incombustible, acompañado en esta ocasión por una excepcional BSO a cargo de Riuychi Sakamoto, una fotografía preciosista y la presencia majestuosa del gran Takeshi Kitano. Lo digo, no lo digo, lo digo, no lo digo... qué carajo, lo digo: Obra Maestra, porque efectivamente LO ES.

Y me voy de nuevo, atesorando la historia de Roma a cargo de Tito Livio que ha caído en mis manos, dejándome atrapar por la prosa viperina y ultracrítica de Gore Vidal en "El último Imperio", y cerrando los ojos mientras todavía resuenan en mi mente las últimas palabras del coronel Kurtz: "El Horror, El Horror..."