INVENTA[RIOS] (III)

La memoria funciona de una forma muy extraña. A veces uno puede percibir que el futuro se ha cumplido y el pasado huye despavorido hacia delante. Primero son los sonidos de Cut Copy (In Ghost Colours) los que segregan con cada nota la presencia de un tiempo que fue mío y se escurre entre mis dedos llenos de arena, y a continuación (en estricto orden alfabético de mi hipotética lista) es el rock de Cynic (Traced in Air) el que provoca la necesaria contraposición entre mi flema espiritual y la flama (ultra)sónica que hace temblar mis cimientos. La música activa un interruptor oxidado alojado en una de las oscuras y abandonadas estancias de mi mente y acude en tropel todo ese ejército de recuerdos venturos que me instalan una vez más en territorios extrañamente conocidos. Un plugin mnémico acaba de instalarse en mi consciencia y al abrir los ojos me veo rodeado de figuras, colores, sonidos y aromas dentro de una sinestesia vertiginosa. Con cada melodía se despierta un trozo de aquel tiempo perdido. Trato de orientarme en un territorio que amenaza con sepultar mi sentido de la realidad y para ello comienzo por tranquilizarme, respirar hondo y comenzar la visita por toda la serie de eventos que me propongo detallar con minuciosidad con objeto de no perder el control sobre mí mismo. Una gran polvareda se levanta allá en el horizonte y veo un gran número de obras de arte aproximarse hacia la posición donde ahora me hallo, manteniéndome erguido, perplejo y, por qué no decirlo, asustado. No tardarán mucho en estar aquí conmigo y en el ínterin me formulo la siguiente pregunta. ¿Alguien puede dudar de algo tan evidente al entendimiento como que dentro del mundo del arte solamente puede ser considerado como tal aquello que jamás ha dejado de estar vigente aun habiendo dejado de estar de actualidad, o si se quiere, que el verdadero arte nunca pasa de moda? Reconozco que ésta es todavía y seguirá siendo una polémica harto ardua y difícil de solventar. Parpadeo y trato de encontrar sentido a las capas superpuestas de representaciones que llegan en indescifrable desorden mientras fuerzo al máximo la capacidad de mi ojo nictálope en busca de una luz que disipe las sombras envolventes. <>, me repito a mí mismo una y otra vez tratando de tranquilizarme y no perder los nervios. Observa, cataloga, serializa, coloca, enumera y escríbelo todo; eso tal vez arroje algo de claridad sobre las densas nieblas que se proyectan sobre ti ensombreciendo tu ánimo. Debes hacerlo. Hacer lo que uno debe hacer, extraño imperativo categórico cuando la duda es el alimento constante del alma. Nos vemos impelidos a actuar dejando que nuestra voluntad de debata dolorosamente entre los motivos que la reclaman y nuestra propia decisión interior. Estamos atrapados entre dos mares que amenazan con tragarnos, entre dos mundos irreconciliables que se disputan nuestra salvación o nuestra condena. No es necesario ser ducho en el tema abordado, ni disponer de indeseables ínfulas artísticas, pero en cambio resulta preciso nombrar, continuamente nombrar para luchar contra el olvido y poseer enervantes imágenes que ocupen profusamente nuestra atención. La cabeza me duele horriblemente, la sensación es de implosión inminente y tal vez por ello la sostengo con fuerza mientras todo se vuelve repentinamente blanco.

[flashback orden 1]

Exposición en el Museo del Prado titulada "El Palacio del Rey Planeta. Felipe IV y el Buen Retiro", dedicada por supuesto al citado complejo palaciego y la figura controvertida del monarca hispano (1605-1665). Dentro de las cinco secciones en que se ha dividido la muestra, de sensible desequilibrio cualitativo para mi humilde gusto, los asistentes nos quedamos perplejos al contemplar la representación del poder dominador supremo en la figura ecuestre del válido valido conde-duque de Olivares (alias conde Duku) de Diego Velázquez (qué obra maestra siempre renovadora resulta ser "La rendición de Breda") y nos agradan de un modo especial la pareja de cuadros de José de Ribera pertenecientes a la serie de las Furias, todo un tenebroso y estremecedor hallazgo. Pero si hemos de quedarnos con alguna huella estética especial, ésta es sin duda la constituida por algunas pinturas de paisaje que también albergaba el Palacio, pensado y concebido para el asueto y la juerga monárquica, ambos términos equivalentes. Los encargos fueron hechos a expertos paisajistas que desarrollaban su trabajo en la Roma del segundo cuarto del XVII: Jan Both y Claudio de Lorena principalmente.

[conexión]

Exposición en el Museo del Prado dedicada al maestro Joachim Patinir, pintor belga nacido en la región de Dinant. Las características de su pintura están muy bien definidas y arrojan como resultado unos cuadros colmados de una imaginería fascinante, con gran carga simbólica y, sobre todo, una belleza majestuosa en la aplicación zonal de los colores. Este último comentario no es mío, no ha sido escrito por mí y ambas manos permanecen inmóviles, paralizadas. Intento calmarme y busco estratégicamente información objetiva al respecto. El libro que busco se halla en el anaquel más alto de la estantería que se acomoda al fondo del pasillo, aplastado contra la pared lateral por toda una serie de monografías dedicadas por este orden a: Caravaggio, Botticelli, Tintoretto, Van Eyck, El Bosco, Durero, Giotto, Leonardo, Piero della Francesca, Rembrandt, Ribera, Rafael, El Greco, Miguel Ángel, Velásquez y Patinir. A continuación se agolpan una serie de libros dedicados al universo del cine y la estética de los cuales me llama la atención uno en el que no reparo hace demasiado tiempo. Ni siquiera lo abro para no perder más tiempo y alcanzo el que presumiblemente me dará algunas claves para entender mejor el estilo de éste reputado artista.

Me siento, alzo la vista y veo con sorpresa (no recordaba que permaneciera allí) una reproducción de "El paso de la laguna Estigia", con Caronte transportando un alma situada en medio del cielo (marcado por el ángel y una extraña torre de cristal) y el infierno (allí está Cancerbero y detrás el infierno a toda mecha). ¿Hacia dónde me conduce la corriente?

[flashback orden 2]

Visita al Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, fundada durante el reinado de Fernando VI por Real Decreto en el año 1752, y trasladada al edificio actual en 1773, durante el reinado de Carlos III (El mejor alcalde,...). El Museo, reinaugurado en 1986 cuenta con una colección permanente realmente espectacular: Goya (elegido Académico de Mérito con el lienzo "Cristo crucificado", y del que contemplo con gran satisfacción la serie de Niños jugando y el conjunto de láminas de cobre grabadas al aguafuerte por el pintor), Zurbarán (la serie de Frailes Mercedarios es excepcional), Pereda (siento debilidad por la mejor de las vanitas, "El sueño del Caballero"), Rubens, Ribera, Arcimboldo, Juan Gris, Picasso, etc. Y acto seguido me hallo en otra exposición dentro de la misma Real Academia, en esta ocasión dedicada al "Seicento Napolitano. Del Naturalismo al Barroco", donde destacan obras de José de Ribera ("Susana y los viejos" es magnífica) y otra de Francesco de Rosa sobre la misma temática. Busco afanosa y finalmente [¿encuentro?] el listado (in)completo de todos los autores cuyas obras  pueden contemplarse y disfrutarse (y formateo en cursiva los títulos de las obras por las que más impresionado me he sentido al contemplarlas). Allí se dan cita los Giovan Battista Caracciolo, (Nápoles 1578-1635), llamado Battistello; Carlo Sellitto, (Nápoles 1581-1614: Magdalena penitente); Filippo Vitale, (Nápoles c. 1585-1650: Sacrificio de Isaac); José de Ribera, (Játiva 1591-Nápoles 1652: Susana y los viejos, Magdalena penitente, San Antonio Abad, Santa Maria Egipcíaca); Maestro dell´Annuncio ai pastori, (activo en Nápoles en el segundo cuarto del siglo XVII); Aniello Falcone (Nápoles 1607-1656); Francesco Fracanzano (Monopoli 1612 - Nápoles 1656); Massimo Stanzione (Orta di Atella ca. 1585 - Nápoles 1658); Artemisia Gentileschi (Florencia 1593 - Nápoles 1652 ó 1653); Francesco Guarino (Sant´Agata Irpina 1611 - Gravina 1654); Bernardo Cavallino (Nápoles 1616 - ca. 1656); Antonio de Bellis (ca.1616 - ca.1660); Andrea Vaccaro (Nápoles 1604 - 1670); Francesco de Rosa (Nápoles 1607-1656: Susana y los viejos) llamado Pacecco de Rosa; Giovan Battista Spinelli (activo entre Abruzzo y Campania entre 1640 y 1660 aproximadamente); Didier Barra, (Metz 1590 - Nápoles ca. 1650); Viviano Codazzi (Bergamo 1604-Roma 1670); Domenico Gargiulo  (Nápoles1609 - ca.1675); Ascanio Luciani (activo en Nápoles entre 1640 y 1660); Salvator Rosa (Nápoles 1615 - Roma 1673); Mattia Preti (Taverna 1613 - Valletta 1699); Luca Giordano (Nápoles 1634-1705: Milagro de San Nicolás de Bari, León el Grande frena el avance de Atila, Consagración de Montecassino, Leda y el cisne); Francesco Solimena (Canale di Serino 1657 - Barra 1747: Agar y el ángel); Giacomo Recco (Nápoles 1603 - fallecido antes de 1653); Luca Forte (Nápoles, nacido después de 1660- fallecido antes de 1670); Giovan Battista Recco (activo Nápoles 1/2 s.XVII y Aniello Falcone (Napoles 1607 - 1656); Paolo Porpora (Nápoles 1617 - Roma 1679); Giuseppe Recco (Nápoles 1634 - Alicante 1695); Giovan Battista Ruoppolo (Nápoles 1629-1693); Andrea Belvedere (Nápoles ca. 1652-1732).

Lo he olvidado todo. ¿Acaso no estoy soñando? Ando sonámbulo contemplando cadáveres.

[conexión]

Puede que (¿de dónde me viene esta frase? ¿De qué película o ficción literaria?) lo más intolerable en realidad sea la lástima, puesto que no puede remediarse. Y yo la experimento en  la exposición en el Museo Thyssen dedicada a los últimos meses de vida de Van Gogh (el 20 de mayo de 1890 el genial pintor desciende del tren en la localidad francesa Auvers-sur-Oise; dos meses más tarde acabará con su vida).

[flashback orden 3]

Un pensamiento retorna de forma obsesiva. Parece muy claro que dentro del mundo del arte solamente puede ser considerado como tal aquello que jamás ha dejado de estar vigente aun habiendo dejado de estar de actualidad, o si se quiere, el verdadero arte nunca pasa de moda. Pero es de recibo reconocer que ésta es y será una polémica harto ardua y difícil de solventar. Que es como no decir nada una vez más. Por eso me sumerjo todavía más en mi ¿falso? (Re)cuerdo y me dejo arrastrar por una corriente que se agita entre dos orillas sabiendo de antemano que seré capturado más tarde o más temprano por la red expositiva de la consciencia. En la neblina la exposición "De lo fantástico a lo hiperreal" dedicada al padre del videoarte, el coreano Nam June Paik en la Fundación Telefónica. El proyecto elegido para la construcción del Museo que lleva su mismo nombre se llama, curiosamente, "The Matrix". Estará ubicado en la ciudad de Yongin, provincia de Gyeonggi, a unos cuarenta minutos de Seúl. Se abrirá al público en 2008. Algunas obras destacables: performance realizada para la resurrección simbólica de Joseph Beuys; "TV Buddha"; "Zen para TV".

[conexión]

Exposición de fotografías y performances de Zhang Huan en la Fundación Telefónica. La letra oscurece progresivamente un rostro hierático e impenetrable. La grafía fracasa en su infructuoso intento por atrapar un sentido evanescente reflejado en la máscara. El final parece no arrojar ningún atisbo de esperanza. Se instala la opacidad más absoluta como único medio de sondear lo insondable. La memoria se desvanece y sólo podemos listar el archivo para retrasar lo inevitable. ¿Acaso el silencio es la meta inevitable de cualquier esfuerzo por descifrar la realidad, la verdadera realidad? Mi propia escritura parece aquejada del mismo mal.