EL GRAN SILENCIO de Philip Gröning (2005)

No es una película… o sí. No es documental… o también. Es ambas cosas y tal vez mucho más… o quizás menos. No importa. El proyecto que llevó al atrevido director alemán a filmar en el monasterio “Grande Chartreuse” perteneciente a la Orden contemplativa de los Cartujos y situado en los Alpes franceses, tras dieciséis años de espera y otros dos más de preparativos –uno duraría el rodaje y dos más la postproducción–, dio como resultado, sencilla y llanamente, una obra maestra inclasificable, una verdadera joya construida desde la una mirada límpida, poética y respetuosa, labrada con paciencia y dedicación de orfebre, que desarrolla una especial cadencia interna marcada por las diferentes labores y obligaciones de los religiosos, sus cíclicos rituales preñados de símbolos –realidad ésta, la simbólica, bien patente a lo largo de todo el metraje y que los propios monjes se encargan involuntariamente de subrayar en un momento muy peculiar de la cinta–, y, sobre todo, capaz de articular sin estridencias ni señalamientos, tan solo con observación y significativo silencio, casi, pues, sin proponérselo, un resplandeciente descubrimiento de la trascendencia proporcionado por la atención demorada dirigida a las pequeñas cosas, mediante una natural y concentrada dedicación a los actos cotidianos sin las tan habituales como indeseables distracciones provocadas por la prisa o el deseo, con la necesaria dosis de aislada meditación, y todo ello condensado y bien visible a través de unos hombres que de forma absolutamente consciente han decidido despojarse de cualquier residuo de posesión material para dejarse seducir por los rigores y sacrificios de una existencia que, a cambio y a pesar de las extremas renuncias que obviamente les impone, va a ofrecerles algo mucho más importante que la autosatisfecha tranquilidad anímica proporcionada por la obsesiva acomodación a unos superyoicos preceptos de conducta perfectamente reglados y pautados: la oportunidad de ahondar sin concesiones en la insobornable dimensión espiritual de sus creencias, dotándolas de concreción situacional y carnal dentro de sus propias vidas, para así, de esta manera, conseguir liberarse de la doctrina asentada en el discurso tramposo del lenguaje y, a través del insondable Silencio, acceder a la esencia de lo radical y completamente Otro, Dios, en un intento extremo de anular las tenues barreras que separan la vida y la muerte, alcanzando para ello una profunda y permanente mutación de la consciencia lograda, vía repetición, en el misterioso corazón temporal de lo idéntico.

Post scriptum: Esta recomendación pasa además por hacerse con la edición especial con un jugosísimo material extra: Oficio Nocturno, galerías de imágenes y textos, el obligado “Tras las cámaras o making of”, comentarios y escenas eliminadas, las notas traducidas de los propios monjes, reflexiones interesantísimas del director, etc. Y si encima os hacéis con una botellita del famoso licor fabricado por los monjes (una importante fuente de ingresos y reconocimiento para el monasterio), entonces la experiencia sí podría alcanzar cotas verdaderamente místicas. Imprescindible.

 

PICNIC de Gerardo Herrero (2010)

Estupendo cortometraje que nos ofrece una calidad excepcional. La historia es durísima y demuestra todo lo que se puede contar en muy poco tiempo, si necesidad de diálogos que vehiculen mensajes, tan solo con pulso, tensión, montaje e ideas. Un relato conciso y demoledor.

 

NO AMARÁS de Krzysztof Kieslowski (1988)

Qué difícil resulta ya toparse con una joya de este calibre, una verdadera obra maestra rodada desde la sabiduría propia de las imágenes, sin mensajes o sobrecargas, tan solo con la certeza de estar contemplando las verdades más profundas y recónditas que habitan el alma humana, accediendo de una forma profunda y poética a todo el conglomerado de reacciones emocionales responsables de ese misterio insondable al que solemos referirnos con el nombre de “amor”. Con un estilo totalmente personal y distintivo, el maestro polaco filma una obra apabullante, abrasadora, cuya austeridad y pulcra geometría cartografía pulsiones subterráneas con una precisión quirúrgica, dolorosa, ahondando en la dimensión escópica e imaginaria de un sentimiento absorbente y destructivo, pero también compasivo y generoso, que pocas veces en la historia del cine ha quedado tan perfectamente encuadrado como en ese maravilloso e inolvidable plano final. Indispensable, imprescindible y, obviamente, magistral.

 

ELECTION de Johnnie To (2005)

El reputado realizador chino se adentra con determinación en el desconocido y sombrío mundo de las tríadas chinas para ofrecernos una película alejada de lo puramente escabroso o efectista, apostando por una trama compleja y alambicada que calza con suavidad sobre una dirección fluida, confiada en lo que narra, sabedora en todo momento de que la verdadera tensión no suele hacer buenas migas con la crispación o la aliteración sincopada, sino que, por contra, se beneficia sobremanera de una suerte de estructura de gradación densa, ofreciendo un violento crescendo cuando la historia así lo demanda gracias a sus propias necesidades de desarrollo, y preparando de esta forma un inopinado desenlace que constituye a ojos del espectador una resolución tan brutal como memorable. ¿Más? Alegraos cinéfagos, hay segunda parte.

 

CRAZY, STUPID, LOVE de Glenn Ficarra y John Requa (2011)

Comedia romántica ¿sofisticada e inteligente? No, o no al menos desde un corte muy concreto de la función a partir del cual no logra zafarse con éxito de algunas de las más previsibles y tópicas rémoras que suelen lastrar las producciones de esta índole, si bien en este caso el voluntarioso trabajo de los actores y, fundamentalmente, un guión por momentos resultón hace que pasemos una proyección sin excesivos bostezos y, a su conclusión, nos hagamos algunas pertinentes preguntas acerca de la naturaleza del amor, la fidelidad, la masculinidad y, cómo no, cuándo fue el momento exacto en que dejamos de soñar con el futuro para convertirnos en adultos más o menos responsables del presente. Una delusiva propuesta que hubiera merecido un desenlace mucho más transgresor, desencajado, punzante y contando con su buena dosis de amargo resabio. Lástima.

Post scriptum: Por cierto, y amén de la clase infinita que desprenden mis admirados Ryan Gosling y Kevin Bacon, ¿qué hace Marisa Tomei para estar como está?

 

VAMPYR, LA BRUJA VAMPIRO de Carl Theodor Dreyer (1932)

Mientras la crítica continúa sacudiéndole la badana al pobre Argento, y dado que nos apetece ver una película de vampiros verdaderamente moderna, nada mejor que recuperar este clásico de Dreyer para disfrutar de una joya cinematográfica cuya calidad casi sobrenatural dejará patidifuso aun al espectador más escéptico o que con más reservas se haya acercado a esta radical propuesta del maestro danés, autor de obras maestras tan incontestables y rotundas como “La Palabra” o “Gertrud”. En efecto, muchas luces y más sombras si cabe, dentro de un vigoroso y onírico cuadro expresionista cuyas poderosas imágenes se quedan automáticamente pegadas a la retina, y tiempo después, al haber sido convenientemente procesadas, formando parte de nuestros temores más ocultos e inconfesables, un mundo de sombras que la taumaturgia del cineasta proyecta con maestría sobre la imaginaria pantalla de nuestros sueños (y pesadillas).

 

METRÓPOLIS REFUNDADA de Evangelina Loguercio, Diego Panich y otros (2012)

A veces la suerte, el azar, la fortuna o lo que se quiera esgrimir como explicación más o menos plausible, cualquiera de ellos, pareciera ser el factor más determinante dentro de una una empresa concebida como ficticia o meramente imposible. No sé si tal cosa podría aplicarse a lo sucedido con la copia íntegra del clásico de Fritz Lang exhumada en Argentina, pero no hay duda de que tanto su hallazgo como su posterior análisis y montaje final a partir de la copia alemana y los estudios del historiador y especialista Enno Patalas resulta una experiencia vertiginosa y apasionante, felizmente completada con la visión renovada de esta obra maestra total y absoluta cuya influencia no ha dejado de percibirse de forma continuada hasta nuestros días. La refundación de “Metróplis” también nos habla de un profundo amor al cine y la necesidad de preservar esas maravillosas obras de arte responsables de nuestra propia mirada al mundo y con las que seguimos construyendo la cambiante percepción del mismo. Tras el documental, pausa y película.

 

MILLENNIUM de David Fincher (2012)

Qué diferencia. Es la misma historia, prácticamente sin variaciones sustanciales, y sin embargo la de Fincher, grandísimo director y autor de obras maestras incontestables como “Seven”, “Zodiac” o “El curioso caso de Benjamin Button”, resul...ta una película entretenida, absorbente, turbia y desasosegante, áspera y sombría, con sutiles cargas de profundidad y una dirección sobresaliente, plena de pulso, de tensión y el ritmo adecuado para narrar una historia tan dura como la que se cuenta. Grande, muy grande David Fincher. Esperamos que se decida a rodar las dos partes restantes, será una trilogía realmente considerable. Por cierto, extraordinario como siempre ese actorazo impresionante llamado Daniel Craig.Ah, y la BSO a la altura de la gran película de David Fincher. Trent Reznor y Atticus Ross se salen.

 

UNA PISTOLA EN CADA MANO de Cesc Gay (2012)

Nueva cinta del interesantísimo director catalán responsable de películas tan notables como “Krampack” y, sobre todo, “En la ciudad”, que por supuesto retoma la fórmula coral para diseccionar con sumo acierto las inseguridades, temores y mentiras presentes en el sexo masculino a partir de la crítica edad de los cuarenta. El reparto es impresionante, y si por algo se caracteriza este realizador es precisamente por su buena mano en la siempre complicada dirección de actores, aspecto éste que resalta sobremanera en todas y cada una de las teselas que terminan por componer un atractivo mosaico existencial, más radiografía de emociones encontradas que diagnóstico contextual, aunque también. Leamos lo que nos dice el propio Cesc Gay a propósito de algunos, digamos, prototipos presentes en su película: “Viven y vivimos un momento social complicado. Hace unos años era posible encontrar un trabajo, pero ahora si lo pierdes a los 45, va a resultarte muy difícil. Dejar de trabajar a esa edad supone también perder la dignidad”. Pues resistamos incólumes esgrimiendo con elegancia esa misma dignidad amenazada, la que tratan de arrebatarnos los siervos de las cifras y los beneficios, todos aquellos capaces de contratar y despedir excluyendo de sus consideraciones cualquier factor humano, siempre con una gélida e implacable indolencia recubierta de la oportuna afectación de magisterio.

 

DE BODA EN BODA de David Dobkin (2005)

Simpática comedia bien interpretada por la pareja protagonista conformada por Owen Wilson y Vince Vaughn, que cuenta además con la siempre agradecida presencia de Christopher Walken, pero que como suele ser habitual en este tipo de producciones (muy similar a lo sucedido en “Crazy, stupid, love”), el prometedor comienzo va dejando paso progresivamente a las estructuras convencionales al uso para concluir, como la mayoría, en previsible y trillada exaltación amorosa y familiar. El comienzo es espléndido y da pena ver como las imposiciones de audiencia terminan por convertir un material tan aparentemente utilizable y explosivo en algo totalmente inocuo para un cansado espectador que, imagino, verá una vez más corroboradas todas sus expectativas. Las mías no las ha defraudado en absoluto, siguiendo en todo momento las pautas marcadas por un cierto tipo de comedia romántica totalmente exprimida y agotada desde el mismo instante en que decide de antemano preservar unos valores que, reiteradamente y sin llegar a conseguirlo, siempre amaga con subvertir.

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FILMOLITOS (XVIII)
Fecha de publicación: 2013-01-30 05:01:00, por Adrián Martínez Buleo   (visto: 895 veces)   (a 3 personas les ha parecido interesante)
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